POMPEE et SOPHONISBE
Mise en scène : Brigitte Jaques-Wajeman
Au théâtre des Abbesses
Collaborateur artistique : François Regnault
Scénographie et lumière : Yves Collet
Maquillages et coiffures : Catherine Saint-Sever
Musique : Marc-Olivier Dupin
Assistant à la mise en scène : Pascal Bekkar
Administration et Production : Dorothée Cabrol
Chargée de diffusion : Emmanuelle Dandrel
Avec 11 comédiens:
Marc Arnaud, Pascal Bekkar, Sophie Daull, Pierre-Stéfan Montagnier, Aurore Paris, Thibault Perrenoud, Bertrand Suarez-Pazos, Distribution en cours…..
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SOPHONISBE
Syphax, roi de Numidie
Bocchar, lieutenant de Syphax
Massinisse, autre roi de Numidie
Lélius, lieutenant de Scipion consul de Rome
Lépide, tribun romain
Mézétulle, lieutenant de Massinisse
Albin, centenier romain
Sophonisbe, reine de Numidie, fille d’Astrubal, général des Carthaginois
Éryxe, reine de Gétulie
Herminie, dame d’honneur de Sophonisbe
Barcée, dame d’honneur d’ Éryxe
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Deux nouvelles mises en scène
Pompée (1641) et Sophonisbe (1663), seront mises en scène à l’automne 2013 et présentées en alternance, dans une scénographie et avec une distribution similaires. Ces deux pièces, dont les actions se déroulent respectivement en Égypte et en Algérie, appartiennent au cycle des pièces de Corneille que j’appelle « coloniales ». Elles font série avec les mises en scène de Nicomède et Suréna jouées à Paris et en tournée les saisons précédentes. Ces pièces décrivent les rapports de domination et de fascination que Rome entretient avec ses « alliés ».
Comme dans Nicomède et Suréna, les acteurs évolueront autour d’une table immense dont les accessoires changeront selon les actes. La table constitue une scène sur la scène! On y traite les affaires du monde, les rencontres des potentats, les conseils politiques, comme les affaires les plus privées : s’y jouent les scènes de famille, les scènes de ménage, les rendez-vous amoureux. Chaque pièce, variation sur un même thème, offrira aux spectateurs un dessin singulier et commun. La confrontation entre l’Orient et l’Occident se lira dans les costumes résolument modernes et les accessoires.
La même troupe (11 comédiens) interprétera Pompée et Sophonisbe en alternance. La même équipe que celle de Nicomède et Suréna - dramaturge, éclairagiste-scénographe, musicien, maquilleuse - accompagnera la mise en scène. Certains samedis, les acteurs pourront jouer les deux pièces l’une après l’autre et proposer aux spectateurs un voyage exceptionnel dans la dramaturgie et la langue de Corneille.
Corneille, notre contemporain
Dans Pompée, 1643, sa première pièce romaine qui se déroule hors de Rome, Corneille rompt avec l’idéal héroïque et affronte avec un réalisme qui ne se démentira plus, l’extrême ambivalence de la politique, le mélange des causes personnelles et du bien commun, la perte inexorable des valeurs. On y voit César asseoir son pouvoir personnel en Egypte et remettre les Egyptiens à leur place: “Vous qui devez respect au moindre des Romains”!
Dans Sophonisbe 1663 se mêlent des haines politiques féroces à une atmosphère érotique très intense… La figure de Sophonisbe est admirable de grâce et de violence, de courage et de folie.
Résistance et collaboration, révolte et soumission, répugnance et fascination s’entremêlent inextricablement dans les intrigues politiques de ces deux pièces. L’intérêt des situations redouble de ce que souvent les opprimés se révèlent odieux et les oppresseurs plutôt généreux! Le désir insatisfait et la guerre constituent le fond commun de Pompée et de Sophonisbe.
À la lumière de l’actualité, (printemps arabes, guerres en Afrique, affrontements des puissances occidentales et du Moyen-Orient) cette profonde réflexion sur l’Histoire coloniale, éclaire singulièrement notre propre condition. Comme Shakespeare, Corneille a osé mélanger les deux registres de la comédie et de la tragédie, ce qu’on lui a reproché longtemps. Son « impureté » fait aujourd’hui sa modernité, car nous vivons des temps impurs.
POMPÉE - 1643
L’intrigue
Assez et trop longtemps l’arrogance de Rome
A cru qu’être Romain c’était être plus qu’homme.
En Egypte, Ptolomée et Cléopâtre, le frère et la sœur, tout jeunes. Leur père est mort récemment, laissant le pouvoir à ses deux enfants, et le soin de régler sa dette à l’égard de Rome ; dette morale à l’égard de Pompée, financière à l’égard de César. Les efforts conjugués des deux grands Romains avaient en effet remis le pouvoir entre les mains du roi, leur père, réduit à l’exil. Pendant cet exil à Rome, Cléopâtre encore adolescente avait séduit César.
Aujourd’hui César et Pompée sont ennemis. Pompée, vaincu par César à Pharsale, vient chercher refuge en Egypte. Ptolomée, qui s’est emparé du pouvoir, et son ministre Photin le font assassiner. La haine de Rome, jointe à l’intolérable dette à son égard, les pousse à cet acte terroriste.
César rend les honneurs à Pompée mort. C’est un acteur consommé, mais il lui est impossible de cacher un sourire quand sa tête lui est présentée. Il est maintenant seul maître du monde. Serait-il l’ordonnateur secret de cet assassinat ?
La veuve de Pompée, Cornélie, n’en doute guère. Prisonnière de César, bouleversée par le meurtre de son époux perpétré sous ses yeux, elle ne craint pas de lui dire qu’elle veut sa mort. Cependant elle le sauve, lorsqu’à son tour César est menacé : sa haine pour lui est sans doute moins forte que son horreur des Egyptiens.
Cléopâtre, enfin, attend César. Elle sait ce qu’elle lui doit. Elle devine qu’elle ne sera qu’un instant le repos du guerrier.
À la fin du jour, César a maté les résistances du peuple égyptien. Ptolomée et ses ministres sont morts, et c’est, comme séparée de la moitié d’elle-même, que Cléopâtre accède au trône où le seul bon plaisir du Romain la fait asseoir. Un trône qui « l’abaisse en l’élevant » et qu’elle ne désire plus.
Pompée est le seul véritable héros de cette terrible pièce, mais il est mort, avant de paraître sur le théâtre. Rome désormais ne produira plus de héros.
Avec Pompée, Corneille quitte définitivement toute croyance dans une politique souveraine et bienfaisante. Il quitte Rome où il situait Horace et Cinna ; il nous emmène en voyage et ouvre le cycle de ses pièces coloniales sur le tableau d’un épouvantable carnage, le champ de bataille de Pharsale, au soir de la victoire de César sur Pompée. Il est alors inspiré par le grand poète latin, Lucain. Pharsale est l’image emblématique de la guerre civile. Nul héroïsme dans l’évocation de cette bataille, mais une lumière de crépuscule qui tombe sur un champ de mort sans gloire et sans mémoire dans lequel s’amoncellent :
Des montagnes de morts privés d’honneurs suprêmes…
Ptolomée, roi d’Égypte, jeune souverain instable et capricieux, veut infliger à Rome une blessure dont elle ne devrait pas se remettre, et décide de faire assassiner Pompée qui vient trouver refuge à Alexandrie :
Dans le sang de Pompée, éteignons sa fierté…
Et donnons un tyran à ces tyrans du monde !
Ce meurtre mis en scène comme un attentat terroriste, nous rappelle les vidéos qui révélaient la décapitation filmée d’otages, postées sur internet par les islamistes, et qu’aucun Etat n’a voulu montrer au public. Dans la pièce, la décapitation de Pompée est racontée par un témoin visuel du crime et fait entendre aux spectateurs ce qui leur est interdit de voir, la violence inouïe, insoutenable de ce meurtre politique.
Corneille mêlant tout au long de la pièce une ironie cinglante, distanciée, à un pessimisme amer et douloureux, donne une couleur très contrastée à cette tragédie où, malgré l ‘exquise présence de Cléopâtre, dont il fait une jeune femme courageuse et tendre, l’angoisse du complot terroriste domine.
SOPHONISBE –1663
L’intrigue
En un mot , j’ai reçu du Ciel pour mon partage
L’aversion de Rome et l’amour de Carthage
La guerre fait rage entre Rome et Carthage ! L’action a lieu en Numidie (l’Algérie actuelle) à Cyrthe, aujourd’hui Constantine, capitale du royaume de Syphax.
Carthage, c’est ici la princesse Sophonisbe, fille d’Asdrubal. Réfugiée à Cyrthe, elle a épousé, à son corps défendant, le vieux roi numide, Syphax pour le gagner à sa cause contre Rome.
Rome est représentée par Lélius, lieutenant de Scipion. Elle tente d’établir son nouvel empire sur l’Afrique du Nord. Entre Rome et Carthage, il y a les rois numides, le vieux Syphax et le jeune Massinisse, et la reine de Gétulie, Eryxe, qui se partagent les territoires incertains de cette Afrique du Nord, où ils habitent depuis bien avant l’arrivée des Carthaginois, originaires de Phénicie, et bien avant celle des Romains.
Deux hommes aiment la même femme : Massinisse, à qui elle a été promise autrefois dans Carthage, et Syphax, à qui elle a ensuite été mariée de force, sont tous deux fous de Sophonisbe. Deux femmes aiment le même homme : Sophonisbe et Eryxe, aiment Massinisse.
La tragédie raconte le dernier jour de Sophonisbe et l’avancée inexorable des Romains. L’année suivante, Scipion écrasera Hannibal à Zama. Ce sera la fin de Carthage.
Dans Sophonisbe, l’action tourne autour d’une femme que les guerres incessantes, l’effondrement inéluctable de Carthage et le sacrifice inutile d’un amour de jeunesse ont rendue cruelle et dangereuse. Mais dans cette sombre figure, la jeune fille subsiste comme le rêve ou le souvenir d’un bonheur révolu, qui illumine l’héroïne, nouvelle et sublime Antigone, capable de s’opposer à la volonté romaine jusqu’au suicide.
L’attrait érotique de Sophonisbe et la passion qu’elle suscite, désespèrent et bouleversent les hommes. Il faut toute la rigidité du conquérant romain pour résister à une telle atmosphère de passion et de mort. Durant toute la pièce, les combats font rage, à chaque acte de la pièce, leur issue change le cours de l’Histoire et crée une atmosphère de dernier jour, de fin du monde qui jette les personnages dans une course vers l’abîme et le désir de jouir une dernière fois de la vie.
Le désespoir politique, le désir et l’amour dominent la pièce et tentent d’infléchir le destin de cette région divisée.
SOPHONISBE
La brûlure de l’Histoire
Sophonisbe, au contraire de ce qui se passait dans les premières pièces de Corneille, comme Horace ou Cinna, fait partie de celles où l’Histoire devient maîtresse des sujets, où la brûlure de l’Histoire s’inscrit directement dans la chair des personnages et engendre des souffrances et des égarements considérables. Dans Sophonisbe, Corneille met en scène, avec la fin prévisible de Carthage et la nouvelle colonisation romaine, un moment d’Histoire où il n’y a plus d’accord possible entre l’individu et la politique. L’individu ne peut qu’être broyé par la grande machinerie de l’Histoire. C’est ce qui fait sans nul doute pour moi sa modernité.
La crainte d’aimer
Mais aussi, Sophonisbe capitalise une réflexion très personnelle de Corneille, engagée dès ses premières pièces (La Place Royale), sur l’amour, sur le désir et la crainte d’aimer, sur les femmes et les hommes; la peur et le désir des hommes de s’abîmer (au double sens du terme) dans l’amour d’une femme ; la violence de la passion, perçue comme une pathologie aussi bien chez les femmes que chez les hommes ; les effets meurtriers de la jalousie. Il y a dans ce théâtre-là déjà du Marivaux, mais plongé dans un monde bouleversé par la guerre et la mort journalière.
Un scénario exemplaire
Sophonisbe témoigne d’une maîtrise souveraine de la construction dramatique. Il y a là un art de traiter le temps et l’espace qui fait de cette tragédie un chef d’œuvre de l’art classique : les mouvements d’entrée et de sortie des personnages dans ce lieu unique qu’est la citadelle de Cyrthe où règne Sophonisbe, exilée loin de Carthage, sont admirables ; mais aussi, la manipulation du temps par Corneille est vertigineuse : temps réel des scènes liées à l’intérieur des actes, suspens savant des fins d’actes, temps compressé entre les actes : des heures ont passé pendant lesquelles l’Histoire « a changé de face ». Les Maîtres d’hier sont tombés (Carthage), ceux d’aujourd’hui vacillent (Les Numides de Massinisse), les nouveaux conquérants arrivent (Rome), jeunes, intacts, mais la chute de leurs prédécesseurs préfigure inexorablement leur avenir. À travers Sophonisbe, on voit bien que l’Histoire est un théâtre où l’individu, un court temps, joue sa partie et s’évanouit. Aussi courte et tragique soit-elle, il faut, bien sûr, que la partie soit magnifique.
Tant de charme…
Je me suis souvenue de Tite-Live (Livre XXX) : « À une juste proportion de toutes les parties du corps et à leur parfaite harmonie, Sophonisbe unissait la fleur de la jeunesse, une connaissance approfondie des lettres et de la musique, un esprit plein d’urbanité et de grâce. En un mot, elle avait tant de charme, qu’il lui suffisait de se montrer ou de proférer une parole pour dompter les cœurs les plus rebelles ».
Le melting pot ou l’identité nationale
L’Afrique du Nord, enfin, est représentée dans sa longue patience et sa dignité par Eryxe, reine de Gétulie, authentique « algérienne », inventée par Corneille. Elle attend son heure, elle attend la fin de la colonisation carthaginoise, puis celle de Rome, pour exercer sa liberté. Elle sait aussi, et elle le dit au spectateur, qu’il y aura d’inévitables mélanges, et qu’on ne reconnaîtra bientôt plus, au bout de quelques générations, les Romains des Africains, comme on ne peut déjà plus différencier les Carthaginois installés dans le continent depuis plusieurs siècles. Voilà une question pour aujourd’hui !
CORNEILLE COLONIAL
Splendeur de Rome
Au départ, il y a Rome dans Corneille.
Ce qui frappe, c’est l’ampleur du “théâtre romain” de Corneille - pas moins de quinze pièces - et son évolution: il y a un monde entre la Rome d’Horace, la première pièce, et la Rome de Suréna, la dernière. Cette distance fait apparaître le cycle entier du théâtre romain comme la description d’un processus historique et politique où Rome, présentée en gloire au début, perd sa splendeur, jusqu’à son âme et, au terme, finit par disparaître.
L’ensemble de ces pièces fait voir l’extraordinaire cohérence du projet politique cornélien, en rupture très explicite avec la philosophie héroïque mise en œuvre dans la grande tétralogie (Le Cid, Horace, Cinna, Polyeucte). La critique, de son vivant, puis la tradition scolaire ont voulu enfermer tout le théâtre de Corneille dans ces seules pièces héroïques, frappant d’oubli le reste de son œuvre - et singulièrement ces pièces que je nomme “coloniales”, comme La Mort de Pompée. Alors qu’il suffit de les lire pour s’apercevoir que la langue gagne en beauté, la fable en complexité, les caractères en profondeurs.
Dans ces pièces, le but principal poursuivi par Corneille, c’est, dit-il dans son avis au lecteur de Nicomède: “De peindre la politique des Romains au-dehors et comment ils agissaient impérieusement avec les rois leurs alliés, leurs maximes pour les empêcher de s’accroître et les soins qu’ils prenaient de traverser leur grandeur quand elle commençait à leur devenir suspecte à force de s’augmenter...”
Corneille inaugure cette peinture en Egypte, avec la Mort de Pompée. Avant cela, dans ses deux premières pièces romaines, Horace et Cinna, il dépeint Rome comme un idéal politique absolu: la volonté de Rome en tant qu’Etat y apparaît une et indivisible. Elle est incarnée, dans Rome même, absolument, presque religieusement, par Horace, le héros, puis par Tulle, le roi, dans la première, et par Auguste, l’empereur-héros, dans la seconde. Dans ces deux pièces fondatrices tout à la fois de l’Etat romain et du théâtre romain de Corneille, le nom de Rome apparaît pur et resplendissant, ainsi que les valeurs héroïques qui y sont attachées.
Le glissement
Dans la Mort de Pompée, Corneille décrit la division qui s’instaure entre ce nom et ceux qui tentent de le représenter. Rome y devient un idéal inaccessible, aucun héros romain n’est assez pur pour l’incarner, à l’exception de Pompée, mais il est mort. Le réalisme politique triomphe.
Il s’étendra encore dans les pièces suivantes. En effet, l’Etat romain n’apparaîtra plus que comme le gestionnaire d’un empire colonial immense. Il n’a plus de héros, il n’a que des cadres politiques et administratifs, des généraux sans figure ou qui sacrifient tout à leur ambition. Corneille opère alors une sorte de glissement: ce sont des héros dressés contre Rome, étrangers pour la plupart, qui vont incarner les vraies valeurs romaines.
C’est le cas de Nicomède, “prince intrépide”, qui représente en Turquie la liberté et la dignité de son pays face au diplomate romain oppresseur et médiocre. C’est le cas de Suréna en Irak, qui ne cède à aucune compromission. C’est celui de Sophonisbe, la Carthaginoise, dont le suicide fait dire au pâle représentant romain: “Une telle fierté devait naître Romaine.” C’est aussi Sertorius, général romain exilé en Espagne, prêt à épouser les usages et la reine de son nouveau pays, et qui s’oppose à Rome au nom de Rome. Tous peuvent dire à sa suite: “Rome n’est plus dans Rome, elle est toute où je suis.”
Par un tel glissement, Rome atteint l’universalité d’une idée; elle n’est plus dans ses murs, elle est partout; elle peut surgir contre les Romains, dans un homme - ou une femme - “qui brave l’orgueilleuse masse de leur puissance lors même qu’il en est accablé.” Elle prend alors une force inouïe et engendre une éthique de la résistance.
Pessimiste et actuel.
L’ensemble de ces pièces fait apercevoir en Corneille un philosophe de l’Histoire, pessimiste, pour lequel aucun idéal politique ne peut se réaliser. Dès la Mort de Pompée, Corneille rompt avec l’idéologie de son siècle, qu’il avait pourtant contribué à mettre en place: les croyances en l’Etat comme volonté unifiante, au Prince comme incarnation absolue de l’Etat, au Héros dont la gloire est au seul service de ce dernier. Ces croyances vacillent douloureusement au fil de ces pièces coloniales. Elles s’effondreront définitivement dans Suréna.
Il semble que Rome ait permis au poète d’accéder à une philosophie de l’Histoire détachée de son temps, ce qui peut expliquer la désaffection de son public et sans doute la volonté farouche, qui a suivi, d’occulter ce théâtre.
Ces pièces “coloniales” de Corneille frappent par leur extraordinaire actualité. Les situations politiques mises en scène par Corneille dans les divers pays évoquent immanquablement l’Histoire récente: le temps des colonies, les difficultés de la décolonisation, les divers épisodes du néo-colonialisme, la haine et la fascination raciales, la duperie d’idéaux politiques... Tous ces thèmes sont réfléchis dans le théâtre de Corneille. La puissance visionnaire du poète fait de ce théâtre l’interprète de notre propre histoire coloniale. Ce n’est pas nous qui devons l’interpréter, mais bien lui qui nous interprète.
Une atmosphère singulièrement moderne baigne chacune de ces pièces. En effet, le théâtre de ce monde colonial est précaire, constamment menacé. Le plus souvent, la guerre y fait rage, les traités politiques risquent d’engloutir des nations entières dans la mort, l’oubli ou l’esclavage. Delenda est Carthago - Carthage doit être détruite. L’obligation faite à Corneille, dramaturge du XVIIème siècle, de condenser les événements en une journée, le conduit à accuser les ruptures: d’un instant à l’autre, le monde peut changer de face. L’Histoire agit sur les personnes comme un précipité chimique révélateur et meurtrier.
Violence et passion de la langue
Les personnages sont souvent déplacés. Ils ne jouent pas sur leur propre scène, qu’il s’agisse de reines captives ou “vagabondes”, de Romains installés depuis longtemps dans les pays, ou au contraire fraîchement arrivés de la Métropole et brutalement confrontés à l’étranger, à la différence radicale de l’Autre. La mutuelle fascination qu’exercent les uns sur les autres oppresseurs et opprimés, la passion sensuelle qui se mêle aux basses intrigues politiques, engendrent une violence et une tension dramatique extraordinaire. Le tragique et la dérision se côtoient constamment, mais aussi l’héroïsme et la perversion, le lyrisme et le réalisme, le désespoir et la haine, dans une même scène, dans un même personnage.
Une telle atmosphère a des effets remarquables sur la langue du poète, qui suit les courbes et les ruptures des situations. Elle échappe désormais à la symétrie si sensible des premières pièces. Elle est admirablement variée.
Inventive, quand Corneille s’essaie avec elle à des mots nouveaux, quand il en détourne d’anciens de leur sens habituel, quand il introduit des tournures précieuses.
Intellectuelle et philosophe, quand il met en scène deux pensées politiques opposées.
Hystérique et perverse, quand elle s’empare d’hommes et de femmes amoureux à leur corps défendant.
Merveilleuse enfin par le plaisir manifeste que prennent les personnages qui en usent. Il y a dans la langue de ce Corneille-là une jouissance de la rhétorique comparable seulement à celle de Shakespeare.
B.J.W
Biblio critique
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